lunes, 27 de julio de 2020

La Magia de John Frusciante




Red Hot Chili Peppers es una de las bandas más influyentes de los últimos 30 años. Esta increíble banda logro cultivar un estilo único a finales de los 80s, con una originalidad que marcó varias generaciones. Su guitarrista, John Frusciante, es uno de los referentes más grandes de la guitarra eléctrica. Y es que el aporte que ha hecho este tipo a la guitarra casi puede equipararse al que han hecho otros gigantes de la talla de Jimmi Hendrix, David Gilmour, Eddie Van Halen, por nombrar algunos.





El estilo de Frusciante tiene influencias muy claras de Jimmi Hendrix. Claro está, que ha sabido llevar el estilo del "chord melody hendrixiano" a su terreno. Pero esto es solo una parte de John. Si nos ponemos a observar en detalle la abundancia de recursos que ha utilizado a lo largo de su carrera, tanto de equipamiento, como de utilización de acordes, ritmos funky, entre otras cosas, estamos ante un guitarrista único que sabe elegir los elementos adecuados para hacerte volar la peluca.




En esta ocasión vamos a analizar la intro de Scar Tissue, el trak número 3 de Californication (1999), uno de los discos más emblemáticos de la banda. Se trata de una intro que combina intervalos de terceras mayores y menores, o más precisamente, oncenas mayores y menores. La oncena viene a ser el equivalente de la tercera nota una vez pasada la octava.  




En este caso, John toca un pequeño arpegio de dos notas comenzando en la quinta y segunda cuerda, pasando luego a la sexta y tercera (esta intro se toca sin púa, con pulgar y mayor o íncide). Comienza con un acorde de F mayor, alternando la tónica de la cuerda cinco con la tercera ubicada en la cuerda 2, y cuando pasa al C mayor en las cuerdas seis y tres toca ambas notas al mismo tiempo haciendo un ligado ascendente desde los trastes 8 y 9, respectivamente, al D menor en traste 10 de ambas cuerdas. 



Una vez que finaliza esta primera vuelta en los dos primeros compases, y entra la banda completa, sigue tocando la misma idea con algunas pequeñas variantes.





 Ambos intervalos se alternan en combinaciones de corcheas y semicorcheas. Es un laburo similar al que se escucha en el tema Blackbird de The Beatles. Con este juego de acordes, crea una rítmica muy agradable utilizando solamente dos notas por acorde. Como adelantáramos al principio, esta claro que Frusciante no es un guitarrista que busca explosividad en todas las canciones, sino que elige los acordes, los intervalos, las rítmicas y los recursos adecuados para responder a lo que el tema le pide.






Y bueno, podríamos dedicar una enciclopedia entera a este gran músico, pero por hoy vamos a limitarnos a este pequeño fragmento. Esto es sólo un 0,00000001% de lo que podemos aprender de John Frusciante. Más adelante analizaremos más canciones de RHCP.

Un abrazo gigante y que la música no pare!





























martes, 21 de julio de 2020

Ejercicio Yngwie Malmsteen




Una vez más hablando de grandes de la guitarra. En esta ocasión quiero compartirles un ejercicio del maestro Lars Johan Yngwie Lanerbak (no tenía nombre), mejor conocido como Yngwie Malmsteen. Este extraordinario guitarrista sueco es el padre de un estilo de rock llamado Metal Neoclásico. Se trata de un estilo que responde al género heavy metal, mezclando influencias muy marcadas de la música barroca. Hablamos de músicos como Bach, Paganini, Vivaldi, etc.







Además de ser un maestro del shred, entre otras técnicas, ha marcado una tendencia muy clara en la música de rock pesado. Lo más curioso de él no es el hecho de que sea un mutiinstrumentista, sino que el único instrumento del cual el nunca tomó clases fue justamente la guitarra. Hoy podemos ver influencias de este gran músico en innumerables guitarristas y bandas de rock.





Sin más preámbulo, vamos al tema que nos toca en esta ocasión. Se trata de un ejercicio basado en la escala menor armónica, escala que Malmsteen exprimió al máximo y con la cual logró desarrollar una técnica descomunal basada en la velocidad y en la rítmica. La escala menor armónica viene a ser una especie de punto medio entre la escala menor (eólica) y la escala menor melódica. La escala eólica tiene una distancia de un tono entre su sexto grado y su séptimo grado. La escala menor armónica tiene una distancia de un tono y medo entre estos dos grados (lo que le da su sonido particular que la hace ideal para este estilo). La escala menor melódica resuelve esa distancia de un tono y medio convirtiéndolo en un tono nuevamente al subir un semi-tono su sexto grado. De modo que la escala menor armónica tendría la siguiente estructura:




1°- 2° - 3° - 4° - 5° - 6° - 7°
A - B - C  - D  - E  - F  -  G#



Aclarado esto, vamos ahora sí al ejercicio. Este fragmento pertenece al solo del tema I´ll See The Light Tonight, del disco Marching Out de 1985. Se trata de una especie de preludio anterior al solo principal, que se basa en un ritmo constante de semi-corcheas en un tiempo bastante acelerado (145 BMP para ser exacto). La clave de este ejercicio es mantener la púa alternada teniendo un apoyo firme de la mano izquierda (o derecha según sean zurdos o diestros), y también ir llevándolo desde una velocidad baja y cómoda para después ir subiendo de a poco hasta llegar al tiempo real. Cabe aclarar que Malmsteen siempre manejó una afinación de medio tono abajo del E estandar, por lo que si desean tocarlo encima del original tendrán que afinar la guitarra en el tono correcto. Otra recomendación sería utilizar una púa bastante gruesa, de 1mm de grosor o más, para que la acción de la cuerda sea consistente y podamos mantener una velocidad pareja y uniforme.







Sin más que decir les dejo la imagen con la tablatura. Mucha suerte y que la música no pare!



































jueves, 16 de julio de 2020

Rock Vs. Reggaetón




Este es un artículo que hace rato quería escribir. Desde yá este blog no fue pensado para crear este tipo de contenido. Pero después de escuchar tanto debate en torno a que si de verdad podemos decir que el rock sea mejor que el reggaetón, o viceversa, sentí la necesidad de hacer un análisis propio.

Desde hace ya varios años se viene generando este conflicto entre fanáticos de ambos géneros, y creo que la respuesta más coherente a esta pregunta es que, claramente, ningún género podría ser mejor que otro porque simplemente no pueden compararse.

El primer gran error que cometemos la mayoría de los amantes de la música es querer comparar un género musical con otro, y eso es algo que carece de todo sentido. Es como comparar un jugador de fútbol con un jugador de tenis. Piénsenlo, es ridículo. Por eso, en éste artículo voy a hacer un análisis objetivo y voy a ser igual de justo con ambos géneros.

El rock, por su parte, es un género musical que se ha desarrollado por más de setenta años. Comenzó a tener vigencia allá por los años 50 y es un género que, como toda moda, fue adoptado por la juventud como una música para divertirse. Más adelante en los años 60 se volvió más experimental, y dejó de ser un ritmo de tres acordes derivado del blues para permitirse experimentar de una forma mucho más amplia. Cabe resaltar que el rock tuvo su desarrollo mayor en medio de guerras, conflictos bélicos, gobiernos militares, y demás circunstancias que le dieron pie para volverse una música más contestataria, y a tener mayor audacia en la temática de las canciones. Esto se tradujo en una impronta de las bandas de rock a generar propuestas y temáticas como una forma de rebeldía contra el sistema, contra el orden establecido, contra las desigualdades sociales, etc. Ya no se trataba solo de un género para escuchar en las fiestas o en los bailes, sino que se convirtió en una filosofía y en una cultura. Y esto es lo que me parece más importante destacar del rock, que comenzó siendo un ritmo y se convirtió en una cultura, una cultura que, tácitamente, ha perdurado hasta el día de hoy.


Por otro lado, el reggaetón es un ritmo latinoamericano que comenzó en la década del 90 en Puerto Rico, pero su mayor apogeo de popularidad comenzó a partir de la década del 2000. Se trata de género musical que combina ritmos del reggae, del hip-hop y de la música hispana. Si bien se trata de un ritmo bastante más joven que el rock, también tuvo su desarrollo en un contexto socio-económico, cultural y político. Mucha gente la cataloga como "música urbana", lo cual me parece redundante porque es tan urbana como lo es el rock, el tango o el jazz. Todos los géneros musicales comenzaron como una música urbana. El hecho de que luego se hayan masificado y popularizado fue parte de su mérito y de su evolución. En el caso del reggaetón, lo que ocurre es que es la música del momento, la música que pasan en las radios más escuchadas, en las fiestas, en las discotecas, etc. En otras palabras, la música que hoy en día la gente elige para divertirse.

Ahora el debate surge a causa de la popularidad que tiene el reggaetón por sobre el rock en la industria musical. Y acá quiero hacer especial hincapié. Como ya he dicho anteriormente, no tiene sentido comparar un género musical con otro. Tanto el rock como el reggaetón son expresiones totalmente diferentes y resulta casi imposible hacer un análisis comparativo. Podríamos comparar determinados parámetros como las estructuras rítmicas, la complejidad armónica, pero nada que nos pueda indicar que una cosa sea mejor que la otra. El hecho de que una música sea popular en un determinado momento, ya sea por decisión de la gente o de la industria, no lo convierte en mala música. No podemos culpar a un género musical por ser apadrinado por la industria y por ser de mayor distribución que nuestro género favorito.

Otro de los argumentos de los difamadores del reggaetón es el contenido de las letras, ya que en su mayoría son letras con alto contenido sexual, connotaciones sobre droga y cosificación de la mujer. Si este fuera el caso, no querrán entonces traducir al español una letra de Guns ¨n Roses (banda que admiro incondicionalmente). Muchas bandas de rock se han permitido volcar una alta profundidad en sus letras, como así también introducir letras con contenido sexual, abuso de drogas, etc. También otro de los argumentos es el trato que tienen los artistas de reggaetón con sus fans. Hablamos de reacciones violentas, de burlas, de actos indecorosos, insultos. La verdad es que desde mi punto de vista eso habla más del artista, o más concretamente, de la persona más que del género en sí. Muchos rockeros han generado innumerables escándalos, tanto ante la prensa como ante sus propios fans, por eso no me parece justo que el acto de una persona manche a todo un genero musical.


En definitiva, hablamos de dos estilos musicales que representan dos mundos completamente distintos y no tiene sentido tratar de compararlos para decir cuál es el mejor. Yo por mi parte adopte el rock simplemente porque me sentí identificado, tanto por el sonido de los instrumentos, como por la estética, el mensaje que me dejaban las canciones, y el impacto que me generaban escuchar este estilo musical al cual me dedico hace ya más de diez años.

Espero que les haya gustado este artículo y les sirva para sacar sus propias conclusiones. Como dije al principio, no es para nada mi intención generar un debate al respecto. Simplemente es una reflexión que me hizo llegar a esta conclusión y se las quería compartir.

Los invito a dejarme sus comentarios.

Abrazos!!





























jueves, 9 de julio de 2020

Pappo´s Blues Vol. 1




Todo un hito en la historia del rock argentino. Pappo´s Blues Vol. 1 es el disco más pesado en la historia del rock nacional. Este fue el primer trabajo de Norberto Napolitano como solista, y es el disco que termina de introducir la música pesada en Argentina. Allí se vuelcan influencias de Black Sabbath, Cream, Jimmi Hendrix, Mick Taylor, entre otros. El único antecedente de rock duro en nuestro país  fue Manal por un lado, y Vox Dei por el otro. Pero el Vol. 1 de Pappo´s Blues del año 1971 demostró una explosividad nunca antes vista en ninguna otra banda.






Esta primera formación de Pappo´s Blues estuvo integrada por Pappo en guitarra y voz, Black Amaya en batería, y David Lebon en bajo. Y si bien Pappo ya venía de jugar el las ligas mayores del rock argentino tras participar en bandas como Los Abuelos de la Nada y Los Gatos, este proyecto fue el que lo consagró como músico y como guitarrista. Esto es así porque fue el disco donde Norberto Napolitano mostró su virtuosismo en su máxima expresión.

A continuación analizamos dos intros de este disco.

La primera se trata del riff de Algo Ha Cambiado, tema que abre el disco. Este tema comienza con el trío completo acompañando el riff principal con una base aplastante y demoledora. Acá se puede apreciar la influencia del blues por un lado, por el ritmo sincopado que lleva Black Amaya, y por el y por la estructura del riff que tocan Lebon y Pappo. En la siguiente imagen mostramos la partitura y la tab:


Ej. 1- Algo Ha Cambiado:






Como se ve, el riff está versado en la escala pentatónica de A menor. Comienza marcando dos acordes de quinta en A. Luego desciende desde la séptima menor de la escala, en este caso el G de la cuarta cuerda. Seguidamente pasa por el famoso cromatismo de quinta justa-cuarta aumentada o quinta disminuida-cuarta justa (trastes 7, 6 y 5 respectivamente) en la quinta cuerda. Por último toca la tercera menor de la escala, en este caso el C de la quinta cuerda, y luego pasa a los trastes 5 y 3 de la sexta cuerda para terminar con la nota E al aire y volver a empezar el riff. Esta misma estructura se mantiene tanto en la introducción como a lo largo de la estrofa.





El segundo tema que vamos a analizar es Adonde Está La Libertad, el tema que cierra el disco. Este tema comienza marcando una secuencia de tres acordes (E5, G5 y A5), bien al estilo de John Lee Jooker. En el espacio de cuatro tiempos que queda entre los acordes, Pappo ejecuta una serie de yeites en la misma escala pentatónica menor de A. A continuación mostramos el gráfico con la tab:

Ej. 2- Adonde Está La Libertad:






En esta primera parte, el yeite comienza con una estirada muy leve en el traste 7 de cuerda 3, de casi un cuarto de tono, acercándose al traste ocho pero sin llegar a definir la nota. El resto del yeite sigue jugando entre las cuerdas 3 y 4, mientras juega con la penta menor.



El siguiente fraseo sigue con la misma idea. La novedad es que cuando llega a la quinta cuerda hace un juego de ligados, descendiendo y ascendiendo en semitonos para resolver en la tónica nuevamente.






Y por último, la intro finaliza con este último yeite, ya un poco más simple que los anteriores, donde vuelve a ejecutar una estirada de un cuarto de tono, resolviendo otra vez en tónica. Ya en el último corte, hay una estirada final igual a las anteriores, pero ahora sonando hasta el final del compás hasta que entra la voz de Pappo.





En conclusión, acá tenemos un breve análisis de este primer disco de Pappo´s Blues. Si quieren que analice otros discos de rock nacional, dejen sus comentarios.

Abrazos!!